Dessiner un manga : ce que le numérique a changé au métier

Le numérique n’a pas changé la façon de raconter une histoire en cases. Il a changé le temps que coûte une page. Les trames se posent en un calque au lieu d’être découpées au cutter, une erreur d’encrage s’annule, un chapitre part chez l’éditeur sans passer par la poste. Le découpage, le rythme et le trait, eux, se travaillent comme avant.

Sur la table à dessin, l’écran a pris la place

Une planche demandait du papier à fort grammage, des plumes, de l’encre de Chine, du blanc de correction et des feuilles de trame. La trame était le poste le plus lourd. On collait la feuille adhésive sur la case, on la découpait au cutter en suivant le contour du personnage, on la grattait pour obtenir un dégradé. Une case ratée coûtait la feuille et les heures passées dessus. Sur écran, c’est un calque et deux réglages.

Manga Studio et Clip Studio Paint sont le même logiciel

Les deux noms circulent encore côte à côte, y compris dans des listes d’outils qui les présentent comme deux produits. Celsys a vendu son logiciel sous le nom Manga Studio hors du Japon, jusqu’à ce que le nom international s’aligne sur le nom japonais, en 2016. Un tutoriel qui parle de Manga Studio décrit donc une version ancienne de Clip Studio Paint, pas un concurrent. Personne n’a besoin d’acheter les deux.

Le reste du paysage tient en quelques noms, et chacun a sa contrainte.

• Clip Studio Paint gère la planche entière : les cases, les calques de trame, le lettrage, et des modèles 3D qu’on oriente pour caler un décor ou une pose difficile.

• Krita est gratuit et libre, sur Windows, macOS et Linux. Pour qui hésite encore à quitter le papier, c’est l’essai le moins risqué.

• Paint Tool SAI ne tourne que sous Windows. Il est léger, et sa stabilisation de ligne lui a fait une réputation chez les encreurs.

• Procreate ne s’installe que sur iPad. Ni Windows, ni Android : l’application est écrite pour cette tablette et n’en sort pas. L’achat est unique, sans abonnement.

• Adobe Fresco imite l’aquarelle et l’huile qui bavent sur le papier. Utile à qui vient de la peinture, dispensable pour du noir et blanc.

Aucun de ces logiciels ne permet à deux dessinateurs de travailler sur la même page au même moment. L’échange se fait par fichiers, comme il se faisait par la poste, en beaucoup plus rapide.

De l’esquisse à la planche livrée

Le parcours d’un dessinateur de manga passe par les mêmes étapes, sur papier comme sur écran. Ce qui change, c’est l’endroit où l’on peut revenir en arrière. Le détail des brosses et des réglages appartient au guide du dessin numérique. Le déplacement se voit mieux étape par étape.

1. Le nemu, ce storyboard au crayon où les cases sont des rectangles et les visages des ovales, se fait encore beaucoup sur papier. Un carnet démarre plus vite qu’un ordinateur.

2. Le crayonné bascule sur écran dès qu’il faut redimensionner un personnage mal placé. Sur papier, on regomme. Sur écran, on déplace le calque.

3. L’encrage est l’étape qui juge le matériel : la ligne doit répondre à la pression comme une plume répond à la main. C’est là qu’une tablette bas de gamme se trahit.

4. Les trames et les aplats noirs sont devenus l’affaire de quelques minutes, contre une soirée entière au cutter.

5. Le lettrage et l’assemblage des cases se font dans le même fichier, aux dimensions que l’éditeur a demandées.

Les assistants ne sont plus dans la pièce

Un auteur de série hebdomadaire ne tient pas une vingtaine de pages par semaine tout seul. Des assistants posent les décors, les trames, les effets de vitesse. L’écran a sorti ce travail de l’atelier : le fichier part, chacun rend ses calques, l’auteur assemble et signe. Travailler à plusieurs reste une affaire de fichiers échangés et de consignes écrites. Deux crayons sur la même case, à la même seconde, ça n’existe pas.

Ce que le numérique n’a pas réglé

Le premier obstacle est le prix. Une tablette à écran correcte et une machine qui suit coûtent bien plus qu’un carnet, et il faut souvent les deux d’un coup. Le matériel de dessin traditionnel garde cet avantage : on commence avec une plume et du papier, on complète au fil des mois.

Le second obstacle est plus sournois. Quand l’annulation est illimitée, la planche n’est jamais finie. On reprend une main, on redresse un œil, on reprend la main. Le papier tranche pour vous à un moment, l’écran jamais. Les auteurs qui tiennent un rythme de parution s’imposent une règle et s’y tiennent : un temps par case, et on passe à la suivante.

La comparaison permanente fait le reste. Une planche publiée le soir se retrouve à côté de milliers d’autres dans la minute. Ça pousse certains à travailler. Ça en assèche d’autres.

Les formats que le papier interdisait

Le changement le plus visible ne vient pas des logiciels, mais du support de lecture. Le webtoon se lit en défilant vers le bas sur un téléphone, en couleur, sans double page et sans sens de lecture à respecter. Ce format n’aurait aucun sens imprimé. Il est né sur écran et il y reste.

La diffusion a bougé aussi. Un auteur publie son chapitre sur ses réseaux ou sur une plateforme le jour où il le termine, sans comité de rédaction pour trancher. Les retours arrivent dans l’heure. C’est une école de rythme, et une pression que les générations précédentes n’ont pas connue.

Restent les générateurs d’images. Ils sortent une illustration qui ressemble à du manga, sans savoir tenir un personnage sur une série entière ni décider où couper un chapitre. Ce qu’ils prennent aujourd’hui, ce sont les tâches déjà mécanisées : un fond de ville, une trame, un aplat. Les mêmes que l’écran avait déjà retirées aux assistants.

Une partie des auteurs installés encre encore à la main, puis scanne. La plume laisse un tremblé qu’aucune stabilisation ne reproduit tout à fait. Le numérique a pris la trame, la correction et la livraison. Le trait lui résiste encore.