Dessiner un manga : développer ses compétences étape par étape
Dessiner un manga demande deux compétences qui n’ont rien à voir l’une avec l’autre : tenir un trait, et raconter une histoire en cases. La première s’acquiert par la répétition, sur des années. La seconde s’acquiert en découpant des pages, en ratant des transitions, en recommençant le lendemain. Ces compétences se travaillent dans un ordre assez stable, du choix d’un genre au premier chapitre publié.
Comprendre les fondements du manga
Avant de dessiner, autant savoir pour qui on dessine. Le shonen s’adresse d’abord aux jeunes garçons, le shojo à un lectorat de jeunes filles, le seinen à des lecteurs adultes, le josei à des lectrices adultes. Ces étiquettes viennent des lignes éditoriales des magazines japonais. Elles décrivent un public, pas une manière de tenir un crayon. Un même auteur passe de l’une à l’autre sans changer de main.
Les genres et les styles
Quelques repères pour situer une série :
Shonen : l’action, la progression d’un héros, des combats lisibles case après case.
Shojo : les relations et les sentiments, avec des mises en page souples et des décors qui flottent.
Seinen : des thèmes adultes, un trait souvent plus sec.
Josei : la vie adulte racontée du côté des lectrices.
Copier une planche d’un auteur qu’on admire apprend plus vite qu’un tutoriel. Dragon Ball d’Akira Toriyama, publié de 1984 à 1995, pour la lisibilité des combats. Sailor Moon de Naoko Takeuchi, lancé dans le magazine Nakayoshi en 1991, pour la composition des pages de romance. Deux écoles opposées de styles de manga, donc deux exercices différents.
Les outils pour dessiner
Les outils de dessin ne font pas le dessinateur. Un papier trop fin ruine quand même un bon encrage. Le matériel traditionnel tient en peu de choses.
Outil | À quoi il sert |
|---|---|
Crayon bleu | Poser la construction sans qu’elle ressorte à la numérisation. |
Plume G | Encrer avec un trait qui gonfle sous la pression et s’affine dès qu’on relâche. |
Encre de Chine | Un noir dense, qui ne bave pas et se photographie bien. |
Trames adhésives | Les gris, les ombres et les fonds, sur une planche imprimée en noir et blanc. |
Marqueurs Copic | La couleur des couvertures et des illustrations. |
Tablette graphique | Travailler en numérique, avec l’annulation et les calques. |
Côté logiciel, Clip Studio Paint domine la production japonaise : trames, cases et bulles y sont livrées d’origine. Il s’est vendu en Occident sous le nom Manga Studio jusqu’au milieu des années 2010. Les deux noms circulent encore. Photoshop fait le même travail au prix d’un peu de bricolage. Krita ne coûte rien.
Le storyboard, ou nemu
Un manga rate rarement sur le dessin. Il rate sur le découpage. Le storyboard, que les auteurs japonais appellent le nemu, est un brouillon volontairement laid : des bonshommes bâtons, des bulles posées à leur place, les cases dans l’ordre. On y décide par où le regard entre dans la page et par où il en sort.
Quelques réflexes qui font gagner des semaines à ce stade :
Placer les bulles avant les personnages, parce que le texte mange la moitié de la case.
Noter en marge l’émotion de la scène plutôt que le détail du décor.
Refaire la page plutôt que rafistoler une case.
Un nemu se jette. Une planche encrée, beaucoup moins.
Développer les compétences techniques
Vient ensuite le travail ingrat : les proportions, la perspective, les visages. Personne n’y coupe. Le style personnel se forge là, et il n’est jamais qu’une somme de raccourcis pris à force de répéter les mêmes gestes.
Anatomie et proportions
La stylisation manga se mesure en têtes. Un adulte dessiné de façon réaliste tient dans 7 à 8 hauteurs de tête, un personnage stylisé dans 5 ou 6, un chibi dans 2 ou 3. Modifier ce rapport change l’âge apparent du personnage et le registre de la scène. Le reste est du kilométrage :
Des silhouettes rapides, deux minutes chacune, pour les poses.
Des corps en mouvement, pour attraper le déséquilibre plutôt que la pose figée.
Des visages sous tous les angles, y compris le trois quarts arrière que tout le monde évite.
Les manuels d’anatomie pour peintres valent tous les tutoriels de dessin manga : ils apprennent la structure, la stylisation vient après.
La perspective et les décors
Le décor est ce que les débutants sautent, et ça se voit immédiatement. La perspective à un point de fuite suffit pour un couloir, deux points pour une rue, trois pour une plongée sur une ville. Un fond raté déséquilibre une figure réussie. À travailler :
Des rues, photographiées soi-même puis redessinées.
Des éléments naturels, arbres et reliefs, qui ne pardonnent pas une ligne d’horizon posée à la va-vite.
Des fonds simplifiés dans les scènes rapides. Détaillés dans les scènes clés.
Les expressions et les émotions
Le manga a codifié ses émotions : la goutte de sueur, la veine saillante, la pupille qui se dilate d’un coup. Ces signes se lisent sans texte. Un lecteur pressé saute les bulles, jamais les visages.
Les émotions franches d’abord : joie, colère, peur.
Les variations sourdes ensuite, celles qui tiennent à un sourcil et à rien d’autre.
L’exercice le plus rentable consiste à dessiner le même visage vingt fois, avec vingt émotions, sans changer l’angle. Ce qui reste constant devient le personnage.
La mise en page et la composition des cases
Une planche japonaise se lit de droite à gauche et de haut en bas. La case en haut à droite ouvre la page, celle en bas à gauche la referme. Tout le découpage découle de ce sens de lecture : une mise en page de manga qui l’ignore envoie l’œil dans le mur, même avec de beaux dessins.
Les techniques de composition
Le rythme d’une page se règle à la taille des cases. Beaucoup de petites cases accélèrent, une grande case ralentit et impose un temps d’arrêt. La dernière case d’une page impaire décide si le lecteur tourne.
Élément | Ce qu’il fait dans la page |
|---|---|
Case | Découpe l’action en instants, et fixe leur durée par sa taille. |
Bulle | Porte le dialogue, et guide le regard d’une case à l’autre. |
Case débordante | Sort du cadre pour faire éclater un moment fort. |
Expérimenter avec le matériel
Les marqueurs Copic servent aux couvertures et aux illustrations couleur. Les pages intérieures, elles, sont imprimées en noir et blanc. Cette contrainte a façonné le langage du manga : les trames, les lignes de vitesse, les fonds noirs. Autant s’en servir tôt, plutôt que de regretter la couleur.
Créer un univers cohérent
Un monde tient debout quand ses règles ne changent pas en cours de route. Le lecteur pardonne l’invraisemblable, jamais l’incohérent. Chaque lieu et chaque personnage doivent servir le récit, ou disparaître au montage.
Poser les fondations du monde
La construction d’un monde de manga demande de fixer quelques points, quitte à ne jamais les montrer :
La géographie, la culture et l’organisation politique du lieu où se déroule l’histoire.
Ce que chaque personnage veut, et ce qui l’empêche de l’obtenir.
Les règles internes : ce qui est possible dans ce monde, et à quel prix.
Ce dernier point compte plus que les deux autres. Un pouvoir sans limite tue la tension d’une série entière, et beaucoup de mangas d’action se sont effondrés là-dessus.
L’inspiration culturelle
Le manga puise dans son terreau : les yokai du folklore, les samouraïs, les récits de guerre, la vie de bureau. S’inspirer d’une culture qu’on connaît de l’intérieur, la sienne, produit souvent des pages plus justes que le pastiche de Japon rêvé. Les auteurs japonais eux-mêmes vont chercher ailleurs, en Europe et en Amérique, dès qu’ils veulent dépayser leur lecteur.
Finaliser et publier son manga
Le dessin fini, le travail n’est pas terminé. Restent la relecture, le lettrage et la question de la publication, qui demande des choix concrets.
La phase de finalisation
C’est la phase qui exige le plus de minutie :
Relire à froid, quelques jours après l’encrage.
Poser les textes en vérifiant qu’aucune bulle ne recouvre un visage.
Sortir une épreuve sur du vrai papier avant de figer quoi que ce soit : l’écran ment sur les noirs.
Faire lire à quelqu’un d’autre reste le seul moyen fiable de repérer une case illisible. L’auteur, lui, sait déjà ce qui s’y passe : il ne peut plus voir la page avec des yeux neufs.
Édition et publication
Plusieurs routes existent. Les magazines japonais organisent des concours de nouveaux talents, porte d’entrée classique vers la prépublication. L’auto-édition permet de vendre ses fanzines en convention, avec un tirage maîtrisé. La publication en ligne, enfin, met un chapitre devant des lecteurs le jour même, sans intermédiaire ni avance sur droits.
Le choix se joue moins sur le prestige que sur la cadence supportable. Un magazine impose l’hebdomadaire. Une plateforme laisse respirer.
Continuer à progresser
Un manga terminé est un relevé de compétences à un instant donné, rien de plus. Les auteurs les plus solides gardent leurs premières planches et les ressortent. La comparaison fait mal, puis elle rassure.
Participer à un collectif, montrer ses pages, encaisser les retours : c’est ce qui fait avancer plus vite que dix tutoriels. Chaque planche ratée renseigne sur quelque chose. Encore faut-il regarder laquelle.
